El Llanero Solitario (Gore Verbinski, 2013)

El Llanero Solitario

(Gore Verbinski, 2013)

Muchos crecimos admirando en la televisión las aventuras del legendario Llanero Solitario. Las hazañas de este personaje y su fiel compañero Toro endulzaron nuestra infancia y la convirtieron en una joya que forma parte del tesoro de nuestros recuerdos más sobresalientes. Luego, y como estaba acostumbrado a hacerlo cíclicamente a través del tiempo, el misterioso héroe despareció quedando poco a poco en un relativo olvido. Este 2013, John Reid alías el Llanero Solitario, ha hecho su regreso de la mano del director Gore Verbinski y el productor Jerry Bruckheimer, una dupla bastante conocida por la exitosa trilogía  “Los Piratas del Caribe”. El resultado ha sido considerado desastroso por algunos críticos pero esta nueva versión del Llanero no podría definirse fríamente como un fracaso en toda la extensión de la palabra. Le invito a acompañarme, amable lector, en esta travesía al lejano oeste para analizar el regreso del misterioso jinete.

Johnny Depp da vida al indio Toro, Depp se encargó de darle una identidad más definida al personaje pues las anteriores interpretaciones estereotipadas del mismo causaron algunas molestias en los nativos americanos. Esta vez Toro cuenta la historia del nacimiento del Llanero, y es también una pieza clave de esta. Armie Hammer da vida a John Reid y lo hace de excelente manera. Muy  a la usanza del nuevo cine hollywoodense, esta producción narra los inicios del Llanero y las peripecias por las que tiene que pasar para formarse como héroe.

Aún cuando el filme ha sido considerado un fracaso comercial, la era digital por fin permitió crear un personaje definitivo que solo en nuestra imaginación podíamos visualizar. Esta vez,  el Llanero cabalga en su caballo “Plata” saltando entre vagones de tren a alta velocidad protagonizando audaces escenas de acción. La fórmula del director/productor, ya probada en “Piratas”, vuelve a funcionar, esta vez, en un western apto para toda la familia.

El Llanero Solitario aún está esperándole en su sala de cine favorita.

Man of Steel (El Hombre de Acero) Zack Snyder, 2013

Man of Steel (El Hombre de Acero)

Zack Snyder, 2013

Más rápido que una bala llegó a mí un curioso pensamiento justo antes de presenciar la premiere de la nueva entrega de Supermán, esta vez titulada "El Hombre de Acero". Existen las películas de "comics" y existen las películas de Súperman. ¿No es obvio que las versiones cinematográficas del Kryptoniano atraen una atención particular de los fans y los no tan fans? Con esta pregunta se genera un nivel altísimo de expectativas y claro, esta ocasión no sería la excepción.

En mis tiempos saltábamos en lugar de volar.

La nueva fórmula consiste en tomar al reconocido director Zack Snyder ("300", "Watchmen") y encargarle que plasmara su visión de Kal-El-alias-Clark-Kent-alias-Superman. Para asegurar un poco el resultado, se contó con la asesoría de Cristopher Nolan, ese cineasta que ha sido multiaclamado por sus versiones “realistas” del caballero de la noche, "Batman".

Y es precisamente el “realismo” (por supuesto que va entrecomillado) la intención dominante en este filme. La gente quería ver a un hombre de acero “real”, un alienígena viviendo las dificultades propias de adaptarse a la humanidad y, una vez adaptado, vivir los problemas de simplemente ser humano. Eso era lo que queríamos ver en Superman ¿No? Bueno, también lo queríamos ver peleando con superenemigos como siempre lo soñamos.

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El caso es que el sello de Snyder y Nolan está por todos lados en la película. Básicamente la historia de nuestro héroe es la tradicional conocida por todos (si no sabes de que hablo sinceramente es muy raro que te encuentres leyendo esto). La diferencia la hacen los pequeños detalles, por ejemplo, por primera vez tenemos la oportunidad de conocer un poco más de la cultura del planeta Krypton y su sociedad. También, la rivalidad entre Superman, interpretado por Henry Cavill, y el supervillano Zod, interpretado medianamente por Michael Shannon, en realidad tiene una causa razonable entre otras cosas.

El nuevo Zod. Locura, CGI, maldad y... más locura.

Los efectos especiales son la estrella de este filme, los protagonistas son la gran cantidad de “Zooms” que se hacen en cada escena lo cuales, sin duda, le dan dinámica a la historia pero aumentan un exagerado trabajo de cámara que termina por ser confuso y nos aleja de la trama original. Superman ha sufrido una dosis de “realismo cinematográfico y modernidad” que ha convertido su nueva versión en un respetable churrazo.

¿De cuándo acá la necesidad de los fans ha sido ver un Superman “moderno”? Siempre han existido los tercos que cuestionaban los calzoncillos rojos y esta vez se les dió gusto. Snyder mencionó que se busco por todos los medios conservar la prenda pero no fue posible. Yo creo que simplemente no intentó lo suficiente. Los calzoncillos son solo un detalle que crece conforme conocemos al nuevo Superman con una personalidad muy adaptada a los tiempos de hoy.

Comparación ¿Alguna duda?

Solo queda algo por agregar y  es de manera muy personal. Es tiempo de que el arte deje de imitar la “vida real”. Superman es un icono que va más allá de la actualidad y representa un estado puro de valentía y lucidez que simplemente en estos tiempos no existe. Sería bueno que nos hubiera recordado eso precisamente. Está nueva versión es muy buena en cuanto a clichés hollywoodenses pero también sirve para otra cosa, agradecer que hace unos años Bryan Singer ofreció una supuestamente fallida versión de Superman que hoy aprecio más que antes.

¿Me hablaban?

"El Hombre de Acero" ya está en su cine favorito.

PD. Vaya que se extraña a Christopher Reeve.

El Gran Gatsby (Baz Luhrmann, 2013)

El Gran Gatsby

(Baz Luhrmann, 2013)

Estamos ante la sexta adaptación cinematográfica de esta joya de la literatura norteamericana escrita por F. Scott Fitzgerald. A pesar de haber sido publicada por primera vez hace más de 80 años, El Gran Gatsby al parecer no pierde vigencia y todavía logra reflejar mucho del sentir de la sociedad moderna.

Esta nueva entrega está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan y Amanda Fisher. Para algunos críticos esta visión del australiano Baz Lurhmann es la adaptación mas atinada del clásico norteamericano. Sin embargo, para muchos de nosotros es algo totalmente novedoso y, sin referencia alguna, aún se puede apreciar la elegancia del escritor aderezada con modernos gráficos digitales.

La trama es aparentemente simple. Durante la década de los veinte, el jóven Nick Carraway, interpretado por Maguire, viaja a Nueva York para dedicarse a la bolsa de valores y cumplir el sueño americano teniendo como escenario una “ciudad que nunca duerme” dominada por la moral ligera y el contrabando. En su nueva residencia se ve intrigado por la misteriosa personalidad de su vecino, Jay Gatsby, un millonario que se dedica a organizar fastuosas fiestas. Los invitados a estas celebraciones desconocen el verdadero origen de la fortuna de Gatsby. Sin embargo, conforme se desarrolla la historia poco a poco el espectador tiene la oportunidad de conocer más a este enigmático personaje interpretado de manera magistral por Leonardo DiCaprio, además de sus verdaderas intenciones.

El punto fuerte de la película es la riqueza visual y musical que engalanan esta intrigante historia. La calidad de las actuaciones es la esperada con el elenco de primera que aparece en pantalla pero, aún cuando este es gancho suficientemente atractivo para muchos, la pasividad de la historia podría opacar un poco la calidad final del filme. Quizás la inmediatez del séptimo arte moderno nos tiene malacostumbrados pero a la larga, y de manera definitiva, El Gran Gatsby es una historia para disfrutar y sobre todo recordar.

Disfrute de El Gran Gatsby en su cine favorito.

Daft Punk Random Access Memories (2013)

Daft Punk

Random Access Memories (2013)

Como fiel seguidor del dueto francés Daft Punk desde su disco Discovery del 2001, quizás yo no sea la persona más indicada para dar una opinión objetiva sobre su nueva producción. Es verdad, la propaganda previa a su nuevo material Random Access Memories ha sido bastante pronunciada sobre todo para nosotros los fans, lo suficiente para crear una expectativa que vaya más allá del verdadero resultado final del disco pero, después de haberlo escuchado durante algún tiempo,  hice uso de esa virtud que es la paciencia para expresar una opinión que no sea producto del luminoso destello inmediato de lo nuevo de Thomas Bangalter y Guy Manuel de Homem-Christo.

Este era un disco esperadísimo de Daft Punk y no simplemente por ser su nuevo material. Random Access Memories prometía ser la continuación de aquel trabajo emblemático que fue Discovery el cual definió algunos parámetros de la música electrónica a como la conocemos hoy en día. Recordemos que después de aquella producción, los franceses experimentaron un poco en su siguiente disco Human After All y después tomaron el reto de sonorizar la esperada secuela de la película Tron. Después de eso, no estaba claro el camino que el dueto tomaría y eso fue hasta este 2013 cuando comenzaron a coquetear con pequeños clips anunciando su nuevo disco plagado de interesantes colaboradores como Julian Casablancas, Giorgio Moroder, Panda Bear y el legendario productor Nile Rodgers. A través de esto encendieron el interés del público mientras prometían una redefinición de la música electrónica humanizándola y regresándola a su concepción original.

El resultado, precisamente, es algo que muchos fans calificarían de simplemente extraordinario, los seguidores ocasionales del grupo no se han mostrado tan impresionados con el nuevo sonido. La primera impresión que yo tuve fue la sensación de estar escuchando un disco como hace mucho no se hacía. Esto lo digo hablando mas allá de la sencilla complejidad que muestran las canciones que conforman Random Access Memories. Me refiero a algo que la música hoy en día parece haber suprimido a base de sonidos ultracomputarizados y técnicas de estudio que acaban con la naturalidad de los instrumentos. Estoy hablando del feeling o sentimiento. Esa cualidad se logró a través de ejecuciones en vivo por parte de Daft Punk las cuales, por lo general, hasta hoy parecían estar de más.

Random Access Memories es un disco modesto envuelto en una vibra setentera, no es genial en el sentido de que carece de poderosos sencillos para estremecer la pista de baile a la “One more time”, sin embargo la sencillez y tranquilidad que muestra a través de sus 13 temas demuestra una verdadera preocupación del dueto por ofrecer un trabajo innovador ¿Cómo? Volviendo hacia atrás para proponer.

No me extrañaría que el sonido de algunos artistas electrónicos cambie después de RAM. Este trabajo ha causado comezón a muchos pseudoartistas que se empeñan en no mostrarse impresionados. Pero el tiempo tendrá la decisión final sobre la trascendencia de lo nuevo de Daft Punk. Mientras escribo esto, escucho esta colección de canciones que me recuerdan que aún hay gente en esta perversa y superficial industria musical que están dispuestos a proponer y a crear trabajos que nos hagan sentir positiva o negativamente. Al final el arte se siente. Y vaya que con este disco los Daft nos hacen sentir.

EVIL DEAD Posesión Infernal (Dir. Fede Álvarez, 2013)

EVIL DEAD

Posesión Infernal

(Dir. Fede Álvarez, 2013)

El reversionar un clásico cinematográfico es un recurso, digamos, éticamente válido para enganchar viejas y nuevas audiencias. Al tomar un tema conocido y de éxito probado en el ámbito del entretenimiento, los creadores se arriesgan a perder respeto en su trabajo (esto tomando en cuenta que por lo general las nuevas versiones son fallidas) pero antes de esa apuesta, está el llamar la atención inmediata hacia su trabajo. Esto que les comento, amables lectores,  es una pequeña introducción la cual tiene como finalidad crear la atmósfera perfecta para hablar de un nuevo “remake” que ya ronda, cual demonio reinvocado, las salas de su cine local. Estoy hablando de Evil Dead en su versión 2013.

Tras algunos años de estar trabajando en esta nueva versión,  el director original de la saga, Sam Raimi se hace acompañar de Bruce Campbell, protagonista original de la misma, y en compañía de Robert G. Tapert reimaginan este clásico del cine de horror serie B y le encargan la dirección al uruguayo Fede Alvarez quien, en este su trabajo debut,  entrega un enfoque bastante nuevo y alejado del resultado de la serie original. Evil Dead en su versión 2013 es una verdadera película de horror sin una pizca de humor que logre aliviar el estar viendo, durante 90 minutos, directamente a los ojos a un nauseabundo y malévolo espíritu que goza de ver correr litros de sangre y aterrorizar a los seres vivos.

Las actuaciones no son significativas, no existe un héroe concreto en la historia, sin embargo, lo emocionante aquí es como la verdadera protagonista  de la trama es la historia en sí, es decir, el viaje que presenta esta nueva versión es suficiente para estar al borde de la butaca durante el tiempo que dure nuestra exposición a este horror de tinte adolescente mezclado con gore que EVIL DEAD 2013 tiene para nosotros. Eso sin mencionar los giros inesperados de la historia.

Hablando de excepciones a la regla, Evil Dead, es un clásico reimaginado con un resultado triunfal. Definitivamente no viene a sustituir la versión original pero, por supuesto que viene a honrarla.

Disfrúte “Posesión Infernal” en su cine favorito.

En la oscuridad Star Trek (Dir. J.J. Abrams, 2013)

En la oscuridad Star Trek

(Dir. J.J. Abrams, 2013)

El escritor, actor, productor y director estadounidense J.J. Abrams poco a poco se ha ido forjando su mejor momento. A través de exitosas series de televisión durante la primera década de este milenio como Alias y Lost, Abrams terminó convirtiéndose en un respetable realizador de emotivas aventuras para la pantalla grande como Super 8 y, por supuesto, la entrega inicial de la nueva adaptación cinematográfica de la clásica serie de ciencia ficción Viaje a las estrellas (Star Trek) en el año 2009. Por si fuera poco, su habilidad le ha ayudado a coronarse como el próximo realizador de la nueva trilogía de Star Wars pero, mientras tanto, este 2013, el director retoma las aventuras de la tripulación de la nave Enterprise en su nueva película titulada Star Trek: into darkness.

En esta segunda parte, el capitán del Enterprise James Kirk, interpretado por Chris Pine, es relevado de su cargo inesperadamente al mismo tiempo que un edificio de la flota estelar es objeto de un atentado terrorista causado por un personaje de nombre John Harrison quien también se encarga de asesinar al maestro y mentor del capitán. Es así como, con una cuenta personal que saldar, el capitán irá en búsqueda de su nuevo enemigo ignorando que en el trayecto tendrá que desafiar sus más profundos ideales e incluso enfrentar a sus aliados.

Tal vez el punto más fuerte de esta producción sea la perfecta selección de actores que interpretan a los personajes clásicos de la saga como Sulu, Scotty, Uhura y obviamente Spock, reencarnado por Zachary Quinto. Este actor revive la esencia de Leonard Nimoy como el personaje original y además le agrega cierta profundidad extra al personaje. La carta fuerte de las actuaciones la lleva sin duda Benedict Cumberbatch, el actor apenas va abriendo camino en nuestro continente pero es bien conocido en el viejo mundo por protagonizar la popular serie Sherlock. Cumberbatch interpreta a uno de los villanos más emblemáticos de la serie y lo hace con una personalidad arrolladora. También tenemos la oportunidad de ver nuevamente en la pantalla a Peter Weller quien, con su inconfundible voz, nos recuerda cada minuto a un icónico personaje de la década del 80. El policía cibernético Robocop.

Star Trek: into darkness es, de principio a fin, una una odisea interestelar plagada de acción, efectos especiales y buenas actuaciones. J.J. Abrams está listo para revivir cualquier saga espacial y hacerlo de manera más que digna. Sin duda veremos más entregas de Viaje a las estrellas pero, mientras tanto, disfrute de into darkness en su cine favorito.

Héctor Armando Herrera

hectorarmandohv@gmail.com

IRON MAN 3 (Dir. Shane Black, 2013)

IRON MAN 3

(Dir. Shane Black, 2013)

La franquicia hollywoodense dedicada a los comics es sin duda uno de los recursos más prolíficos de la industria cinematográfica. El fenómeno comenzó en el año 2002 cuando la primera entrega de El Hombre Araña, dirigida por Sam Raimi, se estrenó con un éxito impresionante y, después de eso, otras producciones dedicadas a nuestros superhéroes favoritos, las cuales durante la década de los  90 enfrentaron cualquier cantidad de obstáculos antes de ser canceladas, no se hicieron esperar. La era digital sin duda facilitó la creación de universos fantásticos y por fin fue posible ver, de manera fiel, a aquellos personajes que marcaron nuestra infancia con sus aventuras y heroicos ideales.

Sin duda uno de los superheores más “beneficiados” de esta tendencia ha sido Iron Man. Pocos personajes se han retroalimentado tanto de su representación en la pantalla grande y quizás  solo Robert Downey Jr. Ha experimentado una especie de redención en su carrera a través de Tony Stark y su armadura de alta tecnología. El caso es que, la tercera entrega de Iron Man ya se estrenó en nuestro país y la reacción de los fans en todo sentido no se ha hecho esperar.  Hay quienes han calificado esta nueva aventura como “la mejor”, sin embargo, los seguidores del personaje saben que su historia ha sido sacrificada por el supuesto bien del éxito taquillero.

La trama es inesperadamente diferente y se situa poco después del acontecimiento de Los Vengadores. Un perturbado Tony Stark, víctima de presuntos ataques de ansiedad, vive encerrado en su mansión perfeccionado su armadura y evadiendo la realidad a través de interminables jornadas de trabajo. Un nuevo enemigo, el cual el propio Stark se encargó involuntariamente de forjar años antes, se ha propuesto destruir todo lo que el multimillonario posee y probablemente logre su cometido. Bajo esa  premisa, se desarrolla toda esta aventura y muchos de los momentos clave de la película deben ser presenciados para experimentar enteramente Iron Man 3.

Las actuaciones son impecables, Robert Downey está totalmente inmerso en su personaje clásico y es difícil notar donde termina uno y comienza el otro. Gwyneth Paltrow interpreta a Pepper Potts, y se encarga mayormente de embellecer la parte femenina y en esta ocasión, heroica del filme. Sir Ben Kingsley ofrece una actuación como El Mandarín en la cual no bastan las palabras para describirla. Aún cuando el papel de este archienemigo histórico de Iron Man no es precisamente el esperado, Kingsley lo saca adelante triunfualmente en todos los aspectos. Se aprecia la presencia de Guy Pearce y, por supuesto, la de  Don Cheadle. Las solidas interpretaciones de estos actores de primera línea son la base perfecta para una historia que es más una comedia de acción que cualquier otra cosa.

El cambio de director sin duda afectó el tratamiento normal de la trama. Jon Favreau fue el encargado de presentar a Iron Man a como lo conocemos y, ahora, toma la batuta Shane Black quien dentro de su experiencia tiene los guiones de la serie de películas Arma Mortal. Con ese antecedente es muy fácil saber que se espera de esta nueva producción.

En general, la trama se centra en el hombre detrás de la armadura. La historia es el camino en el cual Stark encuentra su lado humano y a la vez, el sentido de su “poder”. Sin embargo, como verdadero fan, extrañé ver a Iron Man funcionando como debe de ser y, sobre todo, pesa ver a su enemigo más acérrimo perderse entre chistes momentáneos y superficiales. Sin embargo, si usted, amable lector, busca pasar un rato agradable y divertido en compañía de su familia o amigos admirando a su superhéroe favorito, sin lugar a la menor duda, Iron Man 3 es la película ideal para usted.

Iron Man 3 ya está en su cine favorito.

Héctor Armando Herrera

Hectorarmandohv@gmail.com

The Rolling Stones . Exile on Main St. (1972)

The Rolling Stones  

Exile on Main St.

(1972)

The Rolling Stones es una banda que ha gozado desde sus inicios de popularidad mundial. Por alguna razón, fueron elegidos por la audiencia para ser la aparente contraparte de The Beatles y esto poco tiene que ver con el estilo que manejan. En algún momento DECCA, el sello disquero que rechazó en un principio al cuarteto de Liverpool, intentó redimir su error firmando a unos chicos londinenses interesados en reinterpretar éxitos del rockandroll y blues norteamericanos. Por un lado aprovecharon la oportunidad atinadamente.

A principios de la decada del setenta, los "Rolling" eran una banda más que exitosa y para su duodécima producción decidieron mudarse a una hacienda que el guitarrista Keith Richards había alquilado en Francia. Una incomoda situación con el fisco y una considerable deuda ante este terminaron por empujar a la agrupación a esta especie de "exilio" recomendado por su asesor financiero.

Fue así como comenzo la grabación de lo que sería "Exile on main street". Además, se sumaron a la grabación un sinfin de situaciones como el exagerado uso de drogas por parte de Richards  y los inicios de la separación del bajista Bill Wyman quien colaboró con muy pocas canciones debido a su descontento con las circunstancias en las que la producción se desarrollaba. El sótano de la hacienda Nellcote, que anteriormente había servido como cuartel de la Gestapo durante la segunda guerra mundial, sirvió como escenario de la situación durante un periodo de 1 año.

El resultado de las grabaciones fue mezclado en la ciudad de Los Angeles y el 12 de Mayo de 1972, oficialmente, "Exile on Main Street" fue publicado con una portada diseñada por John Van Hamersveld, quien previamente había trabajado con The Beatles. La crítica recibio negativamente el album quizás percibiendo el espíritu caotico e irregular  que reinó durante la concepción del disco. La percepción inicial de este trabajo fue cambiando conforme pasaban los años.

Actualmente "Exile" se encuentra dentro de los mejores discos de la historia y es considerado uno de los mejores trabajos de "The Rolling Stones". Este es un disco esencial para los seguidores de la banda, para conocer su historia y para sentir un poco de lo que es el verdadero Rock and Roll interpretado por una de las mejores bandas del mundo. 

También está disponible una reedición del 2007 totalmente remasterizada.

Oblivion: El tiempo del olvido ( Joseph Kosinski, 2013)

Oblivion: El tiempo del olvido

( Joseph Kosinski, 2013)

El género de ciencia ficción sin duda se ha visto beneficiado por la era digital moderna. La facilidad que aporta la tecnología a los nuevos realizadores cinematográficos hace que los recursos necesarios, los cuales en tiempos pasados eran la primer limitante para crear universos futurísticos e historias fantásticas, estén al alcance de todos ellos. Hoy, más que nunca, verdaderamente se cumple la premisa que dice "El límite es la imaginación".

El director Joseph Konsinski , quien en el 2010  revivió la saga ochentera de "Tron" a través de su continuación "Tron Legacy",  esta vez se da la oportunidad de ampliar su experiencia en filmes de ciencia ficción y nos entrega su nueva producción escrita y dirigida por él mismo titulada "Oblivion". Este filme es protagonizado por Tom Cruise, Morgan Freeman y, el resultado, sin duda, podrá agradar a muchos entusiastas del género como un servidor, o bien, podrá ser una tediosa y complicada aventura para quien no busca nada más allá del entretenimiento en una sala de cine.

En la historia, Jack Harper, interpretado por Tom Cruise es el encargado de vigilar el planeta tierra la cual ha quedado totalmente desolada después de una guerra contra una especie alienígena. El planeta ha sido afectado por las consecuencias de una batalla nuclear y los humanos sobrevivientes al desastre se han trasladado a una  gigantesca nave espacial a las afueras de su antiguo hogar. Harper, es uno de los agentes encargados de mantener el orden en la tierra mientras se extraen los últimos recursos vitales de la misma. Poco antes de terminar con su misión, el agente rescata de una nave estrellada a una desconocida quien ha perturbado sus sueños anteriormente. A partir de esto, todo lo que Harper creía saber de él y su misión, comenzará a cambiar y se descrubrirá la verdadera intención de su misión en la tierra.

La interpretación de Cruise no se aleja de sus típicos papeles, personalmente pienso que el actor mezcla en su estilo algo de humor involuntario con talento y esto hace que verlo  en la pantalla sea muy entretenido. Morgan Freeman y las bellas Olga Kurylenko y Andrea Riseborough terminan por reforzar la trama. Visualmente, los paisajes dentro de la película se sienten verdaderamente desolados y, aunque esto le da el toque ideal al filme, a la larga se sienten un poco tediosos y faltos de vida.

“Oblivion” no pasará de ser un interesante filme de ciencia ficción, sin embargo, no existe un clásico escondido aquí ni algo que el tiempo nos vaya a regresar. Quizás, el filme se pierda en el tiempo y solo podrá ser rescatado ocasionalmente por los interesados de este noble género.

¿Eres fan de la ciencia ficción? "Oblivion" ya está en tu cine favorito.

Oz. El Poderoso (Sam Raimi, 2013)

Oz. El Poderoso

(Sam Raimi, 2013)

Me parece que una de las cualidades (o defectos) del director estadounidense Sam Raimi es su manera impredecible de trabajar. Durante su carrera, el cineasta ha realizado verdaderas películas de culto como “Evil Dead” y producciones ultracomerciales como su versión de “Spiderman” la cual abrió la brecha para que la franquicia dedicada a películas de superhéroes fuera todo un éxito. Este año, Raimi nos entrega una nueva producción titulada “Oz. El poderoso” y, probablemente, es uno de los trabajos más completos del director donde este hace uso de todos los recursos aprendidos y utilizados durante su carrera.

En la trama, el ilusionista Oscar Diggs, interpretado por James Franco, dista mucho de disfrutar de una exitosa carrera. Por azares del destino, Diggs se ve obligado a huir de la pequeña feria donde trabaja y accidentalmente es atrapado por un torbellino el cual lo lleva a la misteriosa tierra de Oz. Los habitantes de este mundo  consideran  a Oscar parte de una antigua profecía y los reciben con ilusión y esperanza como un salvador. Durante esta aventura, Diggs tendrá que demostrar que es un verdadero mago y deberá salvar al pueblo de Oz de dos malvadas brujas.

La premisa es simple pero se desarrolla dentro de un envolvente universo obviamente generado de manera digital en su mayoría. Sin embargo, los personajes que aparecen en la historia gozan de una gran personalidad y son interpretados de manera satisfactoria por actrices como Rachel Weisz y Mila Kunis. También los pequeños amigos de Diggs son muy simpáticos y ayudan a que la aventura no se torne aburrida y pretenciosa.  James Franco nuevamente ofrece un buen papel interpretando al mago de Oz aunque nunca llega a ser extraordinario.

Esta película se une a la nueva tendencia de realizar filmes a manera de precuelas sobre cuentos conocidos. Lo interesante de esta producción es que en realidad ayuda a ampliar la tierra de Oz y nos invita a comprenderla aún mejor. Hay obvias referencias al cuento original pero para saber de ellas tendrá que presenciarlo usted mismo, amable lector.

Oz, el poderoso ya está en su cine favorito.

U2 The Joshua Tree (1987)

U2

The Joshua Tree (1987)

Sin duda alguna, e indiscutiblemente, la banda irlandesa U2 es una de las agrupaciones más importantes del rock contemporáneo. Con más de 30 años de carrera y 12 discos oficiales, los músicos son un ejemplo de reinvención creativa cada cierto tiempo y, este aspecto, es una de las razones por las cuales estos se han ganado, en repetidas ocasiones y de manera definitiva, la popularidad y fama mundial que se merecen.  En 1987, la banda editó su quinto disco titulado “The Joshua Tree” y el resultado fue uno de los trabajos más sobresalientes y exitosos comercialmente hablando. Todo esto apoyado con el visto bueno de la crítica en general. Acompáñeme a conocer un poco más de “The Joshua Tree”.

Durante la segunda mitad de la década del 80, U2 poco a poco se fue enamorando del estilo de vida americano que habían retratado algunos autores como Norman Mailer y Raymond Carver. Este ideal, enaltecía los ideales de Norteamérica haciendo del “Sueño americano” un camino y una meta casi espirituales basados en la tradición. De esa manera, el vocalista Bono comenzó a trabajar en letras que encerraran un profundo significado basado en un sonido sencillo mientras que los demás miembros de la banda buscaban un sonido más experimental. Esta diferencia de enfoque causó algunos conflictos al principio pero, precisamente ese contraste de estílos, terminó por dar la identidad que caracteriza a “The Joshua Tree”. De esta manera, las emotivas letras de Bono se ven apoyadas por las texturas guitarreras de The Edge las cuales se pasean y dan color a la firme base de bajo y batería proporcionada por Larry Mullen y Adam Clayton.

“The Joshua Tree” está recomendado para cualquier amante del rock. U2 actualmente puede representar un cliché de una banda de rock y en muchos sentidos su posición antipolítica los convierte en una banda políticamente correcta. Sin embargo, es necesario conocer el lado de la banda que se preocupó por ofrecer música original sin precedente. Este disco es un trabajo único y es un esencial en muchos sentidos. Están todos invitados a escuchar uno de los trabajos más emblemáticos de U2, “The Joshua Tree”.

The Jimi Hendrix Experience Are you experienced? (1967)

The Jimi Hendrix Experience

Are you experienced?

(1967)

Jimi Hendrix parece ser uno de los personajes más enigmáticos de la historia del rock contemporáneo. Aún cuando no mencionáramos su “prematura” y misteriosa muerte, el aura musical y espiritual que rodea a este músico es el pretexto perfecto para que siga siendo considerado, por mucho, el mejor guitarrista de todos los tiempos. El trabajo debut de Hendrix de 1967 es uno de los ejemplos más sobresalientes de su habilidad y genialidad. Hoy en “De primera intención” platicaremos sobre “Are you experienced?” de “The Jimi Hendrix Experience”.

Después de trabajar como músico de apoyo para bandas como “The Isley Brothers” y “The upsetters”  Hendrix conoce al productor Chas Chandler, bajista de “The Animals”, quien lo apoya para grabar su primer sencillo “Hey Joe”y llevárselo a Londres a firmar un contrato discográfico. Después de algunas audiciones el guitarrista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell se unen al músico para formar “The Jimi Hendrix Experience” y grabar su primero disco titulado “Are you experienced?”.

El disco fue recibido con gran éxito e incluso sorprendió a los músicos más importantes de la época como Paul McCartney y Eric Clapton. El éxito de ventas situó a “Are you experienced?”en el segundo lugar de popularidad en el viejo continente justo después del “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band” de los Beatles. Las apasionadas y salvajes actuaciones en directo de Hendrix terminarían por otorgarle el éxito en Norteamerica y posteriormente inmortalizarlo.

“Are you experienced?” retrata de manera perfecta las habilidades de Hendrix y su banda. El guitarrista muestra un estilo sumamente influenciado por el blues clásico pero muestra una personalidad propia a través de varias experimentaciones y efectos creados por el guitarrista. Las letras y los arreglos musicales de este disco convierten a “Are you experienced?” en un envolvente viaje psicodélico lleno de emociones.

Nunca es tarde para conocer a Jimi Hendrix. No precisamente los tiempos pasados fueron mejores pero la pauta que pueden marcar para el desarrollo de una tendencia, eso sí puede ser irrepetible. Descargue o adquiera “Are you experienced?” y viva una experiencia única al lado del gran, del único, Jimi Hendrix.

Ciudadano Buelna (Dir. Felipe Cazals, 2013)

Ciudadano Buelna

(Dir. Felipe Cazals, 2013)

Sinceramente ignoro, amable lector, en que parte de la república mexicana pudiera esta producción causar más impacto que en nuestro propio estado. La Universidad Autónoma de Sinaloa se encargó de dar vida cinematográfica a las hazañas de Rafael Buelna Tenorio y el resultado en muchos aspectos es satisfactorio. Sin embargo, los ojos de un sinaloense pudieran encontrar un poco más interesante está producción que cualquier otro espectador del país que normalmente no vive rodeado de los efectos causados por la lucha de “El granito de oro” de la revolución.

“Ciudadano Buelna” está dirigida por Felipe Cazals y protagonizada por Sebastián Zurita, quien da vida al general originario de Mocorito Sinaloa. También desfilan por la pantalla una buena cantidad de reconocidos actores como Demián Alcazar, Bruno Bichir, Gustavo Sanchez Parra y Enoch Leaño quienes encarnan de manera excelente a algunos de los personajes más importantes de la revolución. En la trama, básicamente se narran los sucesos más sobresalientes de la vida de Buelna y cabe destacar que dichas hazañas están basadas en documentos históricos reales los cuales resultan bastante interesantes. En este caso no fue necesario crear ficciones para aderezar la historia lo cual es un recurso muy utilizado en este tipo de filmes.

Hay varios aspectos muy importantes los cuales dan un verdadero brillo a la producción. Por ejemplo, los escenarios son totalmente reales y las locaciones sinaloenses ubicadas en Mocorito, El fuerte, Cosalá y Los Mochis dan el toque histórico ideal  para ambientar está película que se siente más como un documento histórico que como una producción destinada a atraer a las masas. El vestuario de la época resulta impecable y la caracterización de cada uno de los personajes convence hasta al espectador más escéptico sobre este tipo de producciones. Definitivamente Zurita es la opción perfecta para caracterizar a aquel joven de clase acomodada enamorado de los idealismos utópicos de la revolución mexicana.

El punto débil de la película son los diálogos los cuales se sienten acartonados y hasta cierto punto forzados. Personalmente creo que estos parecen muy inferiores a la calidad general del filme y se sienten más como una obra de teatro que como una producción cinematográfica. Este aspecto cultural es diametralmente opuesto a la personalidad de un sinaloense y sin lugar a dudas afecta el resultado final de la película. Creo que este tipo de error también es algo muy recurrente en los filmes de tinte histórico.

Más allá de las impresiones personales que esta trama pueda haberme causado, creo que a cualquier sinaloense le hará bien conocer un poco más de su historia colectiva  y, precisamente, “Ciudadano Buelna” es una producción que servirá para no perder contacto con nuestros personajes más importantes. La utopía revolucionaria actualmente se vuelve cada vez más borrosa ante una sociedad que se dice moderna y se siente ajena ante ideales como la igualdad y el bien común. Disfrute de “Ciudadano Buelna” en su cine favorito.

hectorarmandohv@gmail.com

The Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)

The Beatles

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

(1967)

Considerado el mejor disco de la historia del rock, y el más influyente, el octavo álbum de The Beatles titulado Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band no es solo el pináculo creativo del cuarteto de Liverpool sino también el retrato de una generación que experimentaba un supuesto despertar artístico, intelectual y espiritual. Quizás para todos los jóvenes de la década del 60 no haya sido el mismo caso, pero lo que es cierto es que la música no volvió a ser la misma después que este material fue editado. Acompañeme a conocer un poco más sobre el legendario “Sargento Pimienta” de Los Beatles.

En 1966 el cuarteto decidió alejarse las presentaciones en vivo. Los intensos gritos de los fanáticos eran mayores a los alcances tecnológicos de aquella época y resultaba casi imposible que la banda fuera escuchada en directo incluso por ellos mismos. Esta limitación los hizo retirarse y dedicar su talento artístico a algo más que la ejecución. El siguiente disco de la banda sería una intensa búsqueda creativa donde se aprovecharía al máximo todos los recursos que podía ofrecer el estudio de grabación y también serviría como una presentación en vivo. Mientras desarrollaban el concepto, Paul McCartney decidió incluso deshacerse de la típica imagen del cuarteto y sugirió un ejercicio donde la banda crearía un alter ego típico de las bandas de mediados de la década.  De esa manera el nuevo concepto no solo sería sónico sino también visual. Fue así como en plena era de la psicodelia y ayudados por el artista Robert Fraser y el fotógrafo Michael Cooper crearon una de las portadas más populares de la historia de la música donde la banda aparece con coloridos trajes al lado de sus personajes históricos favoritos, quizás inconscientemente, la banda se ponía a la altura de estos grandes atinadamente. Además los músicos aprovecharon para incluir unas estatuas de cera de ellos mismos con el típico traje y corte de cabello Beatle.

Mientras cada uno de los compositores trabajaba en sus propios temas, el concepto fue alejándose de su idea original. Incluso algunas canciones como “Strawberry fields forever” y “Penny Lane”, las cuales estaban definitivamente planeadas para ser incluidas en el álbum, fueron incluidas en su disco posterior. Aún cuando la conexión entre cada uno de los temas se perdió, la canción que daba nombre al disco así como su continuación, “With a Little help from my friends” interpretada por Ringo, fueron suficientes para crear la atmosfera adecuada y crear un sonido conceptual entre todas las canciones independientes que conformaron este trabajo. Durante su grabación el trabajo en el estudio fue arduo, cada uno de los integrantes lo recuerdan como el mejor trabajo de la banda y una autentica colaboración artística. George Harrison en su momento dijo que el proceso le pareció largo y aburrido, sin embargo, incluyó el tema “Within you without you” compuesto a la usanza de la música hindú.

Este disco tiene de todo. Guitarras saturadas, dulces armonías vocales y diferentes estilos de música popular y experimental. “Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band” es un disco esencial en la biblioteca de cualquier melómano y personalmente recomendaría su compra física para disfrutar al máximo de esta obra de arte de la música contemporánea.

Lincoln (Dir. Steven Spielberg, 2012)

Lincoln

(Dir. Steven Spielberg, 2012)

Después de varios años de estar trabajando en el proyecto, el director estadounidense Steven Spielberg finalmente estrenó el pasado 2012 la producción biográfica dedicada al legendario presidente de la unión americana Abraham Lincoln. El filme sufrió varios cambios durante su desarrollo, uno de los más sobresalientes fue cambiar el papel protagónico, el cual estaba a cargo de Liam Neeson, y otorgárselo al gran Daniel Day Lewis. “Lincoln” se centra en uno de los períodos más importantes durante el segundo mandato del presidente y el resultado cinematográfico es un tanto ambivalente. En esta edición de “De primera intención” analizaremos un poco esta reciente producción de Spielberg.

Durante la etapa final de la guerra civil en 1865, Lincoln propone la segunda enmienda la cual prohibirá la esclavitud en los Estados Unidos. La aprobación del documento causará conflictos entre los partidos republicano y demócrata que podrán a prueba el poder, carácter y capacidad del presidente. Este fue uno de los momentos más importantes y memorables no solo del mandato del Lincoln sino también de la historia de Norteamérica. Aún cuando la premisa es simple, el desarrollo de la trama no es del todo claro y me parece que se necesita un conocimiento previo de historia para reconocer y analizar más a fondo a los personajes que se presentan durante el filme.

Sin duda el punto fuerte de la película son las actuaciones. Al menos una decena de grandes figuras como Tommy Lee Jones, James Spader, Sally Field y Joseph Gordon-Levitt desfilan por la pantalla magistralmente caracterizados y ofrecen entretenidas interpretaciones de los históricos personajes que jugaron un importante papel en el desarrollo de la historia de Estados Unidos. Obviamente, Daniel Day Lewis es uno de los grandes aciertos de la película y produce ese fenómeno inusual donde la simple interpretación se sobrepasa para dar lugar a una verdadera reencarnación del personaje de Abraham Lincoln.  El vestuario y ambientación del filme termina por dar el toque histórico perfecto. Esta estética visual no es nada extraño en los trabajos de Spielberg.

Para presenciar esta película, tengo que decirlo nuevamente, es necesario conocer un poco del período representado en la trama. Este parece ser un drama político más allá de una historia entretenida y, aún cuando es fielmente representado, se presenta con un ritmo un poco pausado y lento lo cual resultará aburrido para quienes no están interesados en ningún aspecto histórico del país vecino pero las actuaciones quizás otorgarán el entretenimiento necesario para sobrevivir las dos horas y media de duración.

Los recursos narrativos de Spielberg son los mismos, queda la duda si el director los utiliza como fórmula o estilo y se extrañan aquellos momentos donde la creatividad predomina sobre la emocionalidad musicalizada. Este es un buen trabajo del director, no de los mejores, pero si uno bastante presentable. Quizás es un filme para exhibir en un museo o para documentarse sobre historia. Difícilmente atraerá a la audiencia que busca solo diversión en el cine.

“Lincoln” ya está en su cine favorito. Están todos invitados.

Hotel California The Eagles 1976

Hotel California

The Eagles

1976

Desde 1972 la banda estadounidense The Eagles habían sorprendido al mundo con su primer trabajo discográfico de título homónimo. Sin embargo, el pináculo creativo de la banda se vería en 1976 con su quinto trabajo discográfico “Hotel California”. Estoy seguro que la simple mención del título ha causado emociones en más de un lector así que los invito a conocer un poco más de este disco emblemático del grupo The Eagles.

Aún cuando la banda considera este trabajo en conjunto como un disco conceptual, los sencillos publicados se han vuelto piezas independientes de la temática del disco. Los Eagles, intentaron reflejar sus opiniones sobre la sociedad de aquel momento la cual consideraban decadente y entregada al placer sin preocupación por el tiempo futuro. La canción que da nombre al disco, es el mejor ejemplo y nos retrata a un ser humano envuelto en escenario hedonista donde se puede accesar cuando se desee pero será imposible abandonarlo. Claro, la canción ha tomado una personalidad misteriosa que aún hoy se respira en cada reproducción y es totalmente obvio que es la pieza que define la pauta de todo el disco completo. La portada también ha sido objeto de múltiples especulaciones pero solo es el hotel Beverly Hills de la ciudad de Los Angeles fotografiado a lo lejos. Escuchar la canción abridora mientras de contemplaba la portada era el pretexto perfecto para dejar volar la imaginación.

Otro importante sencillo de la carrera de la banda es “El nuevo chico del pueblo” cantada por Glenn Frey. Esta pieza se caracteriza por sus fantásticos arreglos e inolvidables armonías vocales. Y es así como cada corte da vida a una pequeña aventura que cierra con “El café triste” interpretada por Don Henley. Este disco también sería el principio de la separación de la banda que tardó en reencontrarse más de 15 años.

Están todos invitados a escuchar el “Hotel California” y disfrutar del misterioso universo country que “Las Aguilas” plasmaron en su producción más importante.

The Master (Dir. Paul Thomas Anderson, 2012)

The Master

(Dir. Paul Thomas Anderson, 2012)

Personalmente, cada vez que me entero de una nueva película del director Paul Thomas Anderson está por estrenarse,  no puedo evitar emocionarme. Este director estadounidense lleva apenas 6 películas en 15 años pero cada una de ellas es un ejemplo de alta calidad en cine. El pasado 2012, Anderson estrenó su sexta producción titulada “The Master” protagonizada por Joaquin Phoenix y Phillip Seymour Hoffman. Por primera vez, el resultado no es del todo satisfactorio y, si usted, amable lector, me acompaña en esta travesía, podremos encontrar las razones por las que esta película muy seguramente esté destinada al olvido.

“The Master” trata sobre, Freddie Quell, un exveterano de guerra, interpretado por Phoenix, quien experimenta las vicisitudes de readaptarse a la sociedad después de la serie de eventos traumáticos que significó estar en el campo de batalla. En uno de sus tantos desvaríos, accidentalmente conoce a Lancaster Dodd, interpretado por Seymour Hoffman,  un pseudocientífico que se ha dedicado a crear una corriente filosófica conocida como “La Causa” y disfruta de unos cuantos seguidores. Dodd ve en Freddie una oportunidad de probar que los principios de “La Causa” funcionan y que son capaces de volverlo a la normalidad o al menos de convertirlo en un individuo socialmente funcional.

La historia básicamente se desarrolla en torno a esta relación, la cual por momentos se vuelve interesante e incluso bastante entretenida cuando el duelo de actuaciones entre estas dos figuras logra cierta intensidad. Joaquin Phoenix brinda uno de los mejores papeles de su vida y Hoffman, quien evidentemente está acostumbrado a trabajar con el director, desarrolla su típico papel de manera excelente. El detalle que afecta directamente la película es el desarrollo de la trama, aún cuando Anderson ofrece por lo general un ritmo lento y pausado en sus películas también nos tiene acostumbrados a presenciar giros inesperados y sorpresas dramáticas las cuales, debo decir con pesar, en esta producción simplemente no se dan.

El nulo crecimiento de la trama acaba definitivamente con las actuaciones, la fotografía e incluso el atractivo tratamiento estético de la película. Los protagonistas al final se encuentran justo en el lugar donde comenzaron y ni Freddie Quell, ni Lancaster Dodd, quienes son perfectamente la contraparte uno del otro, logran retroalimentarse y salir adelante.  El charlatán y el inadaptado quedan como tales a lo largo de toda la película. Quizás esto es una cruda propuesta de parte del director, sin embargo, el público difícilmente lo entenderá y no podrá ser capaz de terminar lo que yo llamaría, el primer fracaso de Paul Thomas Anderson.

Será una lástima ver como “The Master” se pierde en el olvido. La película se ensimisma tanto en su trama que se olvida del público y termina ofreciendo un producto sumamente lento y aburrido. Eso si, con muy buenas actuaciones, pero aburrido al final.

El hombre en busca de sentido (Viktor Frankl)

El hombre en busca de sentido

(Viktor Frankl)

Viktor Frankl fue un neurólogo y psiquiatra austriaco conocido por sus importantes aportes a la psicología. Entre estos logros se encuentran la logoterapia, que más abajo explicaremos, y, la publicación de lo que probablemente sea obra más importante, “El hombre en busca de sentido”. Este libro intenta develar, a través de las propias experiencias de Frankl, cual es el verdadero sentido del hombre  y la humanidad. Acompañeme en esta breve reseña y conozca un poco mas de “El hombre en busca de sentido”.

El autor fue recluido en campos de concentración de la Alemania nazi de 1942 a 1945. En su libro, Frankl relata todas las experiencias vividas en su confinamiento desde los maltratos físicos y psicológicos hasta las condiciones infrahumanas en las cuales le tocó trabajar al lado de sus compañeros. Esta publicación es un interesante recuento de lo que significó el holocausto durante la segunda guerra mundial y también nos da un ejemplo de cómo el ser humano puede encontrar una razón para vivir aún en las condiciones más adversas pues Frankl describe su estado anímico durante esta etapa con lujo de detalle y posteriormente llega a interesantes conclusiones sobre la razón existencial de cada individuo.

En la segunda parte de esta publicación, el autor nos da una breve introducción a la logoterapia, como su nombre lo indica es una terapia basada en el psicoanálisis la cual ayuda a cada persona a encontrar su razón de existencia la cual es única e irrepetible para cada paciente. La conclusión final es que aún cuando la libertad física del ser humano se vea afectada y limitada en todos los aspectos, siempre hay una parte de nosotros que ningún tipo de encarcelamiento puede  bloquear. Entonces, la libertad final consiste en la actitud que tomemos ante cada sufrimiento. Si nuestro sufrimiento tiene un sentido entonces este nos dará una razón para existir y una finalidad en la vida. Es otra forma de citar aquella frase budista que dice “El dolor es inevitable pero el sufrimiento es opcional”.

Adquiera “El hombre en busca de sentido” de Viktor Frankl y conozca este importante documento.

Escila y Caribdis digitales

Escila y Caribdis digitales

Generalmente al hablar de progreso y modernidad uno se piensa que estamos hablando de términos positivos. El crecimiento tecnológico siempre es recibido con los brazos abiertos pues es sinónimo de una vida más fácil y rápida. Sin embargo, parecer ser que los principales aspectos que hacen a una sociedad realmente funcional se ven directamente afectados por la modernidad aún cuando esta nos ofrece más rapidez en nuestras actividades diarias. Quizás no sea precisamente rapidez lo que necesitamos.

Vivimos en una era donde la conectividad es el primer aspecto a cubrir por un dispositivo electrónico. El rápido acceso desde cualquier lugar ofrece tranquilidad y contacto inmediato con nuestros amigos y seres queridos. Aún así, no nos hemos vuelto más sociables y precisamente el celular es la principal arma para interponer una barrera entre nuestros interlocutores casuales. Es decir, precisamente la red social electrónica prevalece sobre la original. La pregunta es ¿Por qué? ¿Cómo es que este autismo digital se expande entre los seres humanos? Quizás porque es más sencillo estar mirando una pantalla e interactuar a través de iconos y símbolos. La realidad pudiera ser que la verdadera interacción social implica esfuerzo y se enfrenta a la vaguedad de la interacción electrónica que con sus emoticones y memes deja abierta una interpretación totalmente personal que no demanda ninguna atención real. El alejamiento de las redes sociales también puede significar una separación del mundo digital y un desfasamiento en la vida diaria. Esto parece la versión moderna de los monstruos marinos procedentes de la mitología griega Escila y Caribdis donde se nos obliga a navegar por el justo medio.

Mientras los autos son más rápidos seguimos llegando tarde a nuestro destino, mientras la música es más fácil de conseguir la gente escucha menos música atentamente. Al final la modernidad es una ilusión que confunde la rapidez con calidad de vida. El efecto microondas le llamaría yo. La manera en la que tres minutos son simplemente demasiado tiempo.

Las 33 estrategias de la guerra (Robert Greene, Oceano, 2007)

Las 33 estrategias de la guerra

(Robert Greene, Oceano, 2007)

Por Hector Armando Herrera

Después de exitosas publicaciones como “Las 48 leyes del poder” y “El arte de la seducción” el psicólogo y escritor estadounidense Robert Greene nos presenta su tercer libro titulado “Las 33  estrategias de la guerra”. El producto final es igual de aleccionador que sus entregas pasadas y sumamente entretenido de leer. En esta ocasión el autor intenta dar una visión personal sobre los principales métodos de combate utilizados a lo largo de la historia.

“Las 33 estrategias de la guerra” sigue la formula que caracteriza el estilo de Greene. A través de varías leyes sustentadas por ejemplos históricos, historias y proverbios, el autor enumera 33 leyes sustentadas a través de estrategias utilizadas por personajes históricos como Napoleón y el general George Patton. Nuevamente el autor apuesta por el control de emociones y la estrategia por encima de la táctica.  En este libro usted puede encontrar como funciona el factor sorpresa así como métodos para identificar a sus enemigos.

Nuestro mundo actualmente vive un rápido crecimiento tecnológico, la ilusión de la modernidad nos ha vuelto más ensimismados y egoístas y tenemos poco tiempo para los demás. A todo esto se suma la competencia por puestos de trabajo y posiciones que son salvajemente peleadas. Para todos estos aspectos debemos mantenernos preparados y, este libro del autor Robert Greene, sirve como faro para encontrar un camino basado en la estrategia, la flexibilidad y la disciplina. Adquiera “Las 33 estrategias de la guerra” en su librería favorita.

Hitchcock (Dir. Sacha Gervasi, 2012)

Hitchcock

(Dir. Sacha Gervasi, 2012)

Dentro de las excelentes producciones que surgieron a finales del año pasado y principios de este 2013, la película del director Sacha Gervasi dedicada al maestro del suspenso Alfred Hitchcock, ha tenido un protagonismo pequeño pero significativo. Esta producción cuenta con las actuaciones de Anthony Hopkins, Hellen Mirren y Scarlett Johansson quienes se encargan de protagonizar una historia basada en el proceso de producción del filme “Psicósis”. El resultado vale la pena analizarse así que lo invito, amigo lector, a que me acompañe como testigo en esta pequeña aventura.

La trama se centra a finales de 1959. Precisamente en el momento en que el director inglés termina su exitosa cinta de espionaje protagonizada por Cary Grant titulada “North by Northwest”. Inmediatamente Hitchcok emprende la búsqueda de su próxima película y rápidamente encuentra una escalofriante novela basada en los crímenes del asesino serial Ed Gein, famoso por conservar cadáveres de mujeres y crear artículos y ropa con sus partes. A partir de ahí, nuestro protagonista tiene que sortear una gran cantidad de desaprobaciones por parte de su productora y es así como, a pesar de todo, termina haciendo un filme de bajo presupuesto el cual pasa a la posteridad como una de las películas de suspenso y terror más impactantes de la historia del cine.

Esta película tiene tres tratamientos o enfoques. Se narra biográficamente el proceso de producción de Psicosis y además la relación de Hitchcock con su esposa Alma, protagonizada por Hellen Mirren. También podemos ver un enfoque personal de la vida del director mientras el mismísimo Ed Gein le sirve como consejero en sus retraimientos e inseguridades. Estas tres perspectivas mantienen el ritmo de la película que además se ve reforzada por excelentes actuaciones. Hopkins hace un buen trabajo debajo de una caracterización un tanto exagerada del personaje, Hellen Mirren ganó el Globo de oro como mejor actriz de reparto y Scarlett Johanssen ofrece una buena interpretación de la actriz protagonista de “Psicosis” Janeth Leigh.

Este filme está recomendado para los fans de la carrera del maestro del suspenso así como para los que quieran saber los pormenores de esta emblemática producción. Disfrute de “Hitchcock” en su cine favorito.

Golpe a golpe (Leónidas Alfaro Bedolla, 2011)

Golpe a golpe

(Leónidas Alfaro Bedolla, 2011)

“Golpe a golpe” es el libro más reciente del autor sinaloense Leónidas Alfaro. Es una novela breve que narra algunos fragmentos de la vida del pugilista Filomeno Gonzalez. Aun cuando el personaje principal es ficticio, parte de su personalidad y algunos sucesos están basados en el popular Delfino “fino” Rosales, boxeador originario del El Dorado Sinaloa quien desarrolló su carrera durante la década del sesenta y aún es recordado por muchos entusiastas este deporte.

La novela es sumamente entretenida y el autor ha encontrado una manera amena de escribir sin sonar complaciente o exagerado en sus descripciones. A través de este libro puede sentirse el Culiacán de los sesenta y sus alrededores. El personaje de “el Filo” es el protagonista perfecto y al igual que la figura que inspira este personaje, resulta de alguna manera entrañable.

Si es usted fan del boxeo, desea recordar o conocer un poco de la carrera del gran “Fino” Rosales, puede viajar en el tiempo a través de “Golpe a golpe” y revivir una época de nuestra ciudad la cual aspectos como la historia y la nostalgia se han encargado de darle un brillo dorado que vale la pena recordar.

“Golpe a golpe” está a la venta en su librería favorita.

Bob Dylan (Bob Dylan,1962)

Bob Dylan

(Bob Dylan, 1962)

El primer disco de Bob Dylan aún distaba de la imagen que hoy en día tenemos del compositor estadounidense. Es común leer o escuchar sobre su segundo disco titulado “The Freewhelin' Bob Dylan” de 1963 y su amplio aporte a la música folk y contemporánea. Sin embargo, un año antes el joven Robert Zimmerman, apoyado por el productor John H. Hammond de Columbia records, grababa su primer trabajo discográfico el cual refleja las experiencias e influencias musicales primarias del cantautor.

El disco se grabó en 3 días durante el mes de Noviembre de 1962. La poca disciplina artística de Dylan dificultó el proceso de grabación pero, aún así, se grabaron 17 canciones de las cuales dos eran composiciones propias del cantante y las demás, covers que el artista había seleccionado cuidadosamente. Las canciones fueron grabadas en una sola toma ya que Dylan se negaba a hacer segundos intentos en cada corte.

A pesar de lo accidentado de este álbum, la esencia del mismo goza de una crudeza y espontaneidad únicas. La poca educación en la voz de Dylan lo hace sonar totalmente directo  y visceral y aun cuando todavía se sienten lejanas composiciones como “Blowin' in the wind” y “A hard rains a-gonna falla” este es un disco totalmente disfrutable y retrata de manera perfecta la búsqueda artística del joven Robert Zimmerman y sus vivencias en la ciudad de Nueva York.

Este disco está recomendado para cualquier interesado en la música folk de la década del sesenta y para los nuevos fans de Bob Dylan. Descárgalo en tu sitio favorito.